bruno

Si la diapositive évoque pour vous ces interminables soirées familiales lors desquelles votre beau-frère tenait le rôle de sa vie : grand manipulateur de la vitesse de défilement (lente, trop lente) et du pointeur (ce petit point blanc qui tournoie sur l’image de manière exaspérante), l’exposition Diapositive, Histoire de la photographie projetée au Musée de l’Elysée à Lausanne, va bouleverser votre approche du médium. Et vous réconcilier avec votre beau-frère.

Une bonne exposition, c’est une exposition à thèse. Elle pose une problématique, déploie plusieurs réponses, exhume des oeuvres enfouies dans la mémoire et réveille le regard. En ce sens, l’exposition Diapositive, Histoire de la photographie projetée est passionnante puisque ce n’est pas une mais quatre idées fortes qui la guident. Quatre idées qui jettent un nouveau regard sur un médium un peu trop vite catalogué et rangé sur l’étagère aux souvenirs.

Quatre idées fortes donc :

1- Opposer la diapositive au tirage photographique, soit l’immatérialité de l’image projetée à la matérialité du papier. La réflexion ne s’arrête pas là. Car pendant longtemps (jusqu’à la fin des années soixante) le tirage est lié au noir et blanc tandis que la diapo est majoritairement liée à la couleur. D’où la double équation. Art = tirage papier = noir et blanc vs forme populaire = diapo = couleur.
Résumons : le médium diapositive subit une double ostracisation, celle du support non noble (réduit à une pratique photographique familiale, renforcée par le fait que le visionnage est assimilé à un spectacle privé) et celle de la couleur (non artistique puisque collant à la réalité au lieu de la transformer).

Mais voici la revanche de la diapositive :

2- La souplesse du médium va lui permettre d’anticiper sur les formes artistiques à venir, notamment en introduisant les premières formes d’art immersif. Sur ce point, l’exposition permet bien de comprendre que la diapositive n’est pas seulement un support, mais est tributaire de tout un dispositif de projection qui se décline et s’adapte au gré de projets d’abord fonctionnels (Salons, Expositions nationales ou universelles, publicité). Ces projets font entrer la photographie dans une nouvelle ère, la mêlant au cinéma et à ses formats géants, et permettant ainsi la multi-projection qui submerge et englobe le spectateur (globovision, polyvision, multivision, les termes fleurissent).

3- Parce que la projection induit défilement et progression, elle renforce l’inscription de l’image fixe dans une dimension narrative. La photographie se trouve alors entraînée dans un autre type de lecture, s’éloignant de l’image autonome. Elle ne reste pas longtemps à l’écran, est vite remplacée par une autre. Elle est soumise à une forme de montage cinématographique. La séquence narrative devient une forme forte, capable de se poser en alternative à la série photographique.
Mieux même : le diaporama peut devenir sonore. Ainsi celui qui rassemble les 690 photos de de Nan Goldin, The Ballad of Sexual Dependency (1985). A ce moment-là, choisir la diapositive, produit industriel autant qu’objet populaire, c’est aussi un geste esthétique.

4- Enfin une idée plus rarement mise en avant : le rôle important qu’a joué la diapositive dans la pédagogie. Parce qu’elle se projette devant une classe entière, elle est l’outil privilégié de l’enseignement par l’image. Cette dimension inspirera aussi les artistes, ouvrant ainsi sur des performances mêlant oeuvre visuelle, discours auto-réflexif sur cette oeuvre, et échanges avec le public. Créant ainsi des formes éminemment singulières (Hôtel Palenque de Robert Smithson, en 1972, ou Non-Happening after Ad Reinhardt par Pierre Leguillon en 2011). Petit clin d’oeil personnel pour le spectacle-culte de Erick Sanka, L’Affaire Sardines, désopilante enquête politico-judiciaire sous forme de diaporama … de boîtes de sardines.

Mais il ne faudrait pas déduire de cette présentation que l’exposition est didactique. Elle fourmille de découvertes et de documents passionnants : le diaporama complètement précurseur d’Alain Sabatier (Claustration I et II, présenté au MoMA en 1967), ou les fondus-enchaînés de Fischli et Weiss (Unsettled Work , 2000-2006). A quoi s’ajoute un mérite incontestable, celui de recréer au maximum les expériences visuelles (ou de s’en approcher au plus près).

Exposition indispensable donc, pour comprendre tout ce que notre conception actuelle de la photographie doit à ce médium dont le cycle de vie, s’il semble achevé, se prolonge toujours sous d’autres formes. L’image projetée a de belles nuits devant elle.

L’exposition Diapositive, Histoire de la photographie projetée se tient au Musée de l’Elysée à Lausanne jusqu’au 24 septembre 2017.

Et un catalogue de l’exposition très complet a été publié aux éditions Noir sur Blanc.

Un merci particulier à Anne Lacoste, (l’une des quatre commissaires de l’exposition avec Nathalie Boulouch, Olivier Lugon et Carole Sandrin) pour sa riche visite commentée.

Le monde de l’art est comme un trou noir, capable d’avaler et de recycler tout ce qui pourrait s’identifier de près ou de loin à ce dont il est déjà constitué. Alors, c’est un vrai défi aux lois de la nature de l’art que de bâtir une exposition avec autant d’oeuvres qui dansent au bord du gouffre. En ce sens, l’exposition Grand Trouble (à l’instigation de Frédéric Pajak et d’un petit noyau d’artistes), à la Halle Saint-Pierre, est un grand courant d’air qui fait claquer les portes et s’envoler les idées reçues sur ce qu’est l’art aujourd’hui.

Une exposition envoûtante. Étrange et délicieusement déstabilisante. Que cherche-t-elle ? Consonances ou dissonances, c’est comme si chaque artiste ouvrait un champ inattendu de l’art, lui imposant une redéfinition permanente, sans jamais se laisser dominer par une démarche programmatique. Mais au contraire, donnant toujours le primat au visuel et au tactile, à ce qui se touche du regard. Produisant des oeuvres presque sans âge, sans époque. Des météorites tombées d’autant de ciels singuliers.

Car ici, chaque artiste est un cosmos à lui tout seul. À tel point que pour certains, ce qui est visé embrasse des univers entiers : les peintures incandescentes (cires, suie et encres) de Jean-Paul Marcheschi, les dessins furieusement habités de Marcel Katuchevski ou l’installation hypnotique de Jérôme Cognet (une soupe primitive d’images, granuleuse et instable, qui côtoie les loups hurlants de Olivier Estoppey).

Et plonger jusqu’aux racines du monde, c’est plonger aux racines du geste artistique. Oscillant entre, d’un côté, un rapport archaïque au dessin, au tracé, à la griffure dans la matière (à cet égard, la découverte des encres de Uroch Tochkovich est un choc puissant) ; et de l’autre côté, un rapport archéologique à l’art : celui d’une quête de l’image comme trace (les dessins d’Edmond Quinche) ou comme vestige. Ainsi, on reste fasciné par la construction primitive de Edith Dufaux, maquette qu’elle photographie ensuite, pour produire des images aux lumières sourdes. Ces images semblent évoquer des lieux autrefois habités par des dieux aujourd’hui oubliés.

Et puis il y a le rire. Cette part d’humanité qui est parfois si difficile à assumer dans l’art, voilà qu’ici elle se décline sous ses formes les plus sarcastiques (les collages de Tomi Ungerer, les assemblages de Pavel Schmidt) ou l’humour plus discret de Léa Lund qui, dans son petit musée, retrace une généalogie entière de sculptures antiques et préhistoriques sous la formes de figurines modelées ramenées à une matière et une échelle commune. Sous sa forme ludique et presque mineure, c’est une superbe démonstration de ce qui rassemble l’humanité depuis ses origines : visage, corps, signes, formes rectilignes ou courbes, l’essence du regard traduit en gestes.

Enfin, et peut-être le plus important, c’est la capacité de Grand Trouble à faire éclater les frontières d’un regard confortable, celui qui serait rassuré par la virtuosité technique. Car Grand Trouble, c’est la brocante du regard : sur la même feuille à dessin, se côtoient les mains les plus habiles et les moins « sachantes », celles dont on dira peut-être « oh, moi aussi j’peux en faire autant ». Et que toutes ces mains parlent le même langage, disent le même monde, ce n’est pas la moindre réussite de cette exposition ébouriffante.

L’exposition Grand Trouble se tient à La Halle Saint-Pierre jusqu’au 31 juillet 2017 : hallesaintpierre.org

On prolongera efficacement la visite par la lecture du catalogue édité aux Cahiers Dessinés avec, entre autres, de formidables textes de Frédéric Pajak, Michel Thévoz, Philippe Garnier, Matthieu Gounelle.

La photographie est un champ d’expérimentation presque infini. Et certains artistes se sont faits une spécialité d’en explorer les confins, à des années-lumières d’une pratique mainstream. Steven Pippin est l’un de ces aventuriers, aussi inventif que subversif. Le tout pimenté d’une pointe irrésistible d’humour très british. Son exposition ouvre demain, le 14 juin à la Galerie de Photographies du Centre Pompidou et c’est un petit évènement. Lisez plutôt.

L’histoire commence en 1993, dans les sanitaires du train Londres-Brighton, que Steven Pippin convertit en studio et laboratoire pour la durée du voyage (55 minutes). Et ce sont même les cuvettes des toilettes qui servent de cuves de développement ! N’est-il pas surprenant que les toilettes du TGV n’aient jamais inspiré pareille idée ? Ça s’appellait : The Continued Saga of an Amateur Photographer.

Et de fait, la saga a continué par un hommage à l’une des grandes figures de la photographie, Edward Muybridge, pionnier de la décomposition du mouvement. Le cycle Laudromat Locomotion explore les possibilités du lavomatic en tant qu’instrument photographique et finit par culminer avec un projet fou : les machines à laver, transformées en sténopé, captent l’image du cheval et son cavalier lancés au galop dans le lavomatic ; le programme de lavage se transformant instantanément en programme de développement du négatif (révélateur dans le bac à lessive, fixateur dans celui de l’assouplisseur). On jubile. L’histoire de la photographie pour mieux la détourner et s’en amuser.

Steven Pippin choisit aussi de s’attaquer à la photo en iconoclaste. Ou plutôt, en matérieloclaste, inventant plusieurs dispositifs de mise à mort de la photographie. Un suicide iconique qui fait écho aux oeuvres de Jean-François Lecourt, et nous rappelle aussi que les expérimentations de Pippin appartiennent à une certaine période de l’histoire de la photo et de l’exploration de ses frontières (dont il avait aussi été question dans l’exposition commissarisée par Jan Dibbets, « la Boîte de Pandore »).

Pour autant, l’effet de surprise n’est nullement atténué et on se réjouira des paradoxes et des impasses des oeuvres les plus récentes : non caméras et appareils philosophiques. Un titre qui suffit à lui seul à nous mobiliser…

Allez hop, au galop vers l’exposition de Steven Pippin, à la galerie de photographies du Centre Pompidou (Forum -1), jusqu’au 11 septembre 2017

Et pour compléter la visite, le vendredi 16 juin à 17h, une rencontre/conférence avec Steven Pippin à l’Ecole Supérieure Nationale des Beaux-Arts de Paris

Nos vies sont devenues des photographies. Qui nous portent autant qu’elles nous encombrent. C’est ce que j’ai pensé à quelques heures d’intervalle, il y a quelques jours. Récit.

Pousser la porte de La Conserverie (Conservatoire National de l’Album de Famille) à Metz, c’est entrer dans un autre monde de la photographie. Celui du roman familial, avec ses émotions fugaces et ses insignifiances, ses ratés et ses petits miracles. Celui des images faibles (moyennes, disait le sociologue Pierre Bourdieu) capables de devenir universelles à force de rencontrer l’intime. Rencontrer Anne Delrez (la directrice de La Conserverie), c’est retrouver une copine d’enfance : une demie-seconde, un regard, et le fil des histoires commence à se dérouler (épisode 1 : « Faut-il jeter ses vieilles photos ? »).

Quand j’ai poussé la porte, Anne, accroupie, tenait dans la main une liasse de photos. À sa gauche, un carton dans lequel elle piochait. Derrière elle, un sac poubelle rempli de tirages déchirés. Le sol était jonché de dizaines de tas de photographies, résultat d’une journée de tri. Margot, qu’Anne me désigna comme sa stagiaire, était assise par terre au milieu de ces images, comme une enfant naviguant dans ses souvenirs.

Dix-sept cartons remplis de photographies déposés il y a quelques mois à La Conserverie. Comme c’est généralement le cas, c’est suite à un décès que l’on abandonne ses photos. Ce décès-là est un suicide. La cause ? Une dépression suite à la perte de … quelques cartons de photos. Or, il se trouve que l’homme (décédé) avait prêté sa maison à quelqu’un qui, probablement bien intentionné, avait voulu faire du rangement et s’était débarrassé de cinq cartons (de photos).

Lorsqu’Anne réceptionne les dix-sept cartons, elle ouvre le premier et gloups, reconnaît l’homme qui pose sur les photographies : c’est le même que celui qui figurait dans… les cinq cartons qui lui ont été déposés il y a quelques mois. Les cartons n’avaient pas été jetés : ils étaient chez elle !

Deux à trois mille photos. Pour la première fois, Anne en a détruit quelques-unes afin de préserver l’anonymat de personnes photographiées. L’ensemble, même s’il est trié en catégories esthético-thématiques, déborde de tous côtés la représentation d’une vie. Il envahira entièrement les murs de La Conserverie. À tel point que les visiteurs pourront décrocher et emporter leurs images préférées. Ça s’appellera « La Photographie ». Tout simplement.

Nos vies sont devenues des photographies, ai-je pensé, mais nos photographies peuvent aussi devenir des vies. Car au même moment, dans un autre lieu à Metz, s’expose un autre projet de La Conserverie, intitulé « l’Autobiographie comme Mensonge ». À l’origine, un atelier d’écriture pour les élèves du primaire jusqu’au lycée. Un atelier qui prend pour point de départ une photo représentant une scène de famille. Anne la brandit et s’adresse à un enfant :

– Tu te souviens, c’était où ?

– Ben…euh… dans les Vosges

– T’étais avec qui ?

– Mon oncle !

– Et là, c’est qui ?

Un autre répond :

– Ma soeur. Et avant, j’ai vomi dans les tournants

Anne Delrez :

« Et c’est parti, pas le temps de réfléchir, ça speede, ça speede, on dit beaucoup de bêtises et on rigole énormément. Et puis après, chacun tire dans ma caisse d’images cinq photos parmi lesquelles il choisira celle qui sortira de son album de famille. Et il va raconter l’histoire de la photo. Les CP me dictent le texte, je le saisis et après ils le recopient à la main. Les plus grands se débrouillent. Il n’y a pas un gamin qui n’ait rien écrit. Dans l’exposition, les textes sont juste accompagnés par le prénom de l’auteur, aucune mention de l’âge. Et même si le postulat de départ, c’est « l’autobiographie comme mensonge », beaucoup de vérités se livrent dans ces textes. J’ai beaucoup pleuré en les lisant.

Et puis, un truc qui est drôle, c’est la manière dont on s’identifie : je n’ai, dans ma caisse, que des photos de familles traditionnelles, des petits blonds à la peau blanche. Or, quand je fais ces ateliers, il y a toutes les couleurs de peau. Et bien pas une fois un enfant ne m’a répondu « hé, il n’y a pas de noir, je trouve pas mes parents ! ». La projection marche à tous les coups. C’est la force de la photo de famille, elle dessine des liens. »

Personne ne sait faire parler ces photos comme Anne Delrez. Et derrière ses enthousiasmes enflammés pour une photo anonyme, derrière ses élans de tendresse pour un inconnu qui appuie une ou trois mille fois sur le déclencheur, se cache une vraie pensée de la photographie.

Appendice : nos vies sont-elles vraiment devenues des photographies ? Le même soir, je dînais avec mon plus proche ami d’enfance, retrouvé après plusieurs dizaines d’années d’éloignement. A un moment, nous avons réalisé que nous n’avions aucune photographie de cette époque nous réunissant. Il était impossible de nous voir côte-à-côte dans ce passé photographié. Le passé était devenu léger, et c’était bien.

« L’autobiographie comme mensonge », jusqu’au 10 juin 2017, Basilique Saint Vincent, place St Vincent, Metz, tous les jours sauf le lundi et le dimanche de 14h00 à 18h00

La Photographie, une proposition d’Anne Delrez, du 3 juin au 29 juillet 2017, vernissage le 2 juin à 18h, La Conserverie, 8 rue de la Petite Boucherie, Metz.

La jeune scène artistique norvégienne n’est qu’à 55 minutes de Paris. Elle a pris ses quartiers au CCC de Tours (Centre de Création Contemporaine) fraîchement réinstallé dans l’ancien édifice de l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts, entièrement rénové. L’exposition s’appelle « Innland » et ouvre, avec ses créations, des directions photographiques plutôt inattendues. Deux exemples marquants.

Se servir des techniques de tirage photographique argentique (contacts, rayogrammes, effets de solarisation) : en agrandir des détails, accumuler des strates, les rephotographier pour parvenir à des impressions de grand format. Obtenir ces images-palimpsestes, sortes d’ovnis (objets visibles non identifiés) complètement en dehors de tout effet de mode. Pour atteindre une écriture singulière, entre graphisme et journal intime. Préparez-vous : dans les prochaines années, les images de Kamilla Langeland vont entrer dans notre paysage artistique.

Aimez-vous les chaises de jardin en plastique blanc ? Avez-vous observé la manière dont cette matière (réputée inaltérable) se ternit et se pique de corrosions ? N’avez-vous jamais ressenti une pointe de navrement en constatant combien de coquets jardinets se trouvaient enlaidis par ce mobilier récurrent ? Les norvégiens ont une idée bien arrêtée sur la question puisqu’ils ont décidé de mettre à l’amende toute personne qui utiliserait ce mobilier dans un établissement public (non, non, je ne plaisante pas). Alors, Linn Pedersen a retourné la question : voilà qu’elle a fait de cette laideur banale un objet de sublimation. Les chaises deviennent le sujet d’expérimentations plastiques retrouvant les gestes originels de la photographie. Car, comme Kamilla Langeland, elle retourne aux sources de la technique pour mieux interroger ou interpréter le présent : poses longues, cyanotypes et apparitions lumineuses. Le quotidien le plus banal est toujours susceptible de muter à travers l’action artistique.

Deux bonnes raisons de se rendre à l’exposition du CCC Tours, visible jusqu’au 11 juin 2017. A noter : il est presque indispensable de faire appel aux médiatrices et médiateurs pour apprécier l’exposition. Ça tombe bien : elles/ils sont aussi disponibles que désireux(ses) d’établir un dialogue entre le public et les oeuvres.